45 Ceramiche da 45 Centimetri

Il flamenco sulla neve

testo

di Rino Mele

Questa sua nuova mostra è un segno di straordinaria maturità, i pochi oggetti che segnano le due stanze della Galleria si fingono indicatori di un percorso ma, nella neutrale e assoluta autoreferenzialità, cancellano il sistema di rapporti cui pur alludono. Ogni quadro di Franco Longo chiede tutto lo spazio per sé, piccola -imprecisa- enciclopedia che unisce la linea dell’inferno e quella della salvezza. Come leggere questi quadri che tendono alla soppressione dell’immagine, esaltandola fino alla contaminazione con graffi materici, schegge, dolorose ferite? Bisogna partire dallo sfondo, è esso lo schermo da cui ha origine l’immagine e nella quale chiede di finire sciogliendosi, addormentandosi nello scomporre i propri elementi e scandirne il suono. Longo è attratto dal surrealismo, il liquido misterioso che circonda la figura ed evocandola ne nasconde il volto, quel vibrare violento, l’inconsistente terrore, un perturbante addolcito nel suo contrario e si nasconde nella pace delle forme. Il surrealismo è il reale che sprofonda, e morde, avvicinando maschere come se non gli appartenessero e quelle maschere chiama con nomi che ubbidiscono a spostamenti inattesi e salvifici. Il surrealismo spinge sulla pietrosa riva dell’arte nuove e inattese nominazioni delle cose, le scambia nel limite di un gioco e, allontanando i nomi dalla pretesa di essere oltre la loro voce, precipita gli oggetti in una vertigine religiosa e visionaria. Il pittore surrealista è un rabdomante e un indovino. Ha davanti a sé un divino alfabetiere, scambia la “R” di rondine con la “B” di bandiera e inventa il linguaggio profondo che ogni bambino prima di nascere già preme nelle lune della madre e nel sangue, quel linguaggio della metafora permette allo scolaro di scrivere che le bandiere garriscono, e al poeta che la rondine s’apre al vento.

 

 

Le rose, il sangue verde delle foglie, l’acqua degli steli, le spine.

Dipingere è cercare le dita della madre e succhiarle,

avidi, bagnarsi di latte le labbra, sporcarsi

gli occhi, guardare

e non vedere, sentire la bianca cecità

del nascere, dipingere è accecare la visione, tornare

leggeri verso la morte

vestita come la ragazza sognata quando l’alba

smuove ferocemente il sonno e ubriaca.

Dipingere è togliersi la pelle, graffiarsi, strapparsi

dalle ossa, vestire con maschere l’ombra, udire

le parole che il muro dipinto

non trattiene, e urla

piano. Dipingere è nascondere le immagini,

chiedere ad esse di tornare,

quando a sera tutto si confonde e pare che niente

possa accadere. Così la tenda più pesante

grava la mano che la tira. Dipingere è l’atto finale

di un sapiente guardare. Come un profeta

chiude gli occhi nel parlare -la visione lo acceca- così

un pittore

quando soave la corda nella sua polvere

lo trascina parla, senza parole, scrive mute figure,

la danza, il dolore che s’alza

tra i corpi costretti su un legno nero fermi,

a rappresentare l’astrazione del suono, il verbum

fatto carne

e colore. Dove finisce la forza

che su una superficie spinge il colore, tela

e legno? E la stessa mano che dipinge, nel quadro

dove si nasconde? Cosa resta

di quella mano, quale traccia, ragionevole ombra, lieve

segnale, il vibrare delle dita

in quale luogo del quadro resiste? La pittura

è l’azione di un corpo che nessuno

registra ma dal luogo dipinto c’è come un riverbero fatuo, qualcosa che ricostruisce

il gesto della mano, lo sguardo, il crudo

affanno della voce. Dove si posa più quel tremore, l’anima del niente

che si forma e dice la figura? I cavalli alti,

rosa e nero, le lance dei soldati

chiusi nelle verdi armature, la ruggine, il volto

coperto da panni

di lino a proteggere il vento e, lontano, oltre il monte, l’uomo crocifisso che il dipinto non contiene

e mostra un temerario cammino, un velo e nel velo

l’acqua

del tormento, la paura, il tremendo

colpo di lancia che il soldato

preme nel sussulto del corpo ora finalmente morto.